¿QUE RELACIÓN EXISTE ENTRE LA MÚSICA QUE USTEDES PRODUCEN Y EL FOLKLOR DE SU REGIÓN?
Por favor respondan los representantes LASO de cada región.
miércoles, 9 de diciembre de 2009
Debate LASO - Responde cada region.
¿QUE RELACIÓN EXISTE ENTRE LA MÚSICA QUE USTEDES PRODUCEN Y EL FOLKLOR DE SU REGIÓN?
Por favor respondan los representantes LASO de cada región.
sábado, 5 de diciembre de 2009
Círculo de confianza entre músicos urbanos de todo el país, crea el programa Laso (El Tiempo)
A través de la iniciativa, artistas empíricos de diferentes comunidades en todo el país, algunas muy pobres, se han conectado en una red para colaborarse, aprender técnicas y pulir su talento.
Golpeando puerta a puerta, durante meses, entre calles y barriadas de diferentes ciudades del país, Estefanía González (28) encontró un amplio número de artistas jóvenes que, con el lenguaje del hip hop, el metal y el rock, son los actuales narradores de su historia y de la realidad en la que viven.
Ella es la coordinadora de los Laboratorios Sociales de Cultura y Emprendimiento (Laso), una propuesta que inició el Ministerio de Cultura y que pretende brindarles a estos músicos herramientas para perfeccionar lo que hacen -enseñarles estándares de la
industria- e iniciar semilleros para que surjan más talentos.
"Les enseñamos a organizar el proyecto que tienen, hacer negocios, organizar sus ideas, y por otro lado, la parte de producción con tecnología", explica González,
historiadora y artista.
Laso escogió dos músicos músicos locales en 13 ciudades, entre las que se encuentran Buenaventura, Cartagena, Valledupar, Apartadó, Guapi, Medellín, para que fueran emprendedores y estuvieran dispuestos a enseñar a los demás amigos en su barrio; los formaron como instructores del Sena y les dieron equipos de grabación y edición.
"Lo que hicimos con Iván (Benavides, productor y asesor musical del Ministerio), fue identificar cuáles eran esos dos muchachos más fuertes en el tema de producción, así fueran muy empíricos, pero que sean queridos por los demás 'pelaos', que les creen y los ven como los que saben", cuenta la gestora cultural.
Estos 26 instructores se encontraron en Bogotá en octubre para conocerse, establecer la red y además recibir instrucción y homologar conocimientos. Entraron a grabar en estudio junto a músicos como Dr. Krápula, Eka, Madame Complot, entre otros, y editaron con ingenieros expertos.
Luego del encuentro en la capital, la red permaneció y a través del blog redlaso.blogspot.com, los músicos se comparten grabaciones y arman foros en los que se ayudan para resolver inquietudes. Establecieron un círculo de confianza.
"Empiezan a pasar cosas importantes -explica González- como resolverse problemas, y algunos están viajando a otras ciudades y mostrando lo que hacen, sin pensar si les están robando los contenidos".
Agrega que el cambio es de mentalidad: "El mensaje es 'gestionen', porque a muchos les han vendido la idea de que son pobres, y eso no lo son porque tienen el talento (...) Este tema no es de caridad, sino de cómo gestionar".
El futuro próximo de Laso es, cuenta la coordinadora, empezar a publicar compilados de la producción que están haciendo los gestores; pero en el fondo, esperan que cada semillero sea una fuente para esparcir conocimiento.
domingo, 22 de noviembre de 2009
Festival De Hip Hop 2009 Ayara Manifiesta- Bogota,Colombia- 26-27-28 de Nov
Ayara tiene su Festival de Hiphop Ayara Manifiesta 26-27-28 de Nov
Ayara Manifiesta
Jueves 26 Break DanceViernes 27 Graffiti
Sábado 28 Concierto de Rap
La Tienda AYARA:
Av Caracas N° 39-50
Desde las 2:00 pm
Totalmente GRATIS
Mas sobre Ayara:
La Fundación artística y social La Familia Ayara (Bogotá) es una organización de jóvenes colombianos afro y mestizos que realiza actividades sociales, artísticas y pedagógicas basadas en la cultura HipHop, con el fin de mejorar las oportunidades de vida de jóvenes colombianos.
Desde sus inicios en 1996, La Familia Ayara viene usando las disciplinas del Hiphop – breakdance, graffiti, rap, dj, confección de moda y medios de comunicación – para construir sociedad.
La fundación cuenta con el apoyo de agencias de cooperación internacional y entidades colombianas para financiar programas de capacitación artística, (psico)social y laboral destinados a jóvenes en situación de riesgo. Además tenemos un Centro Cultural con salas para talleres, seminarios y cineforos, galería de arte y un estudio de grabación musical. Así mismo realizamos campañas audiovisuales vinculando artistas de HipHop para sensibilizar a los jóvenes sobre temáticas que afectan sus vidas. Es así que invertimos todos nuestros esfuerzos en la construcción del movimiento con un solo lema: “Hiphoppers Colombianos cambiando el mundo”!
Pagina myspace: http://www.myspace.com/lafamiliaayara
sábado, 21 de noviembre de 2009
MMC - MariaMulatas Callejeras por Ivan Jiménez LASO
Es la integración de varios grupos de jóvenes que en el transcurso de sus procesos evolutivos como personas, encuentran en el HIP HOP una cultura, un estilo de vida, una identidad, pero aun mas allá encuentran una forma de expresión y manifestación acerca de lo que ven, escuchan y viven, en este, el extraño, pero real mundo de la vida callejera.
En su totalidad se sienten privilegiados al hablar por otros menos visibles. Manteniendo e impulsando así la verdadera esencia de un “HIP HOPER” tal como lo demuestran en la mayoría del contenido de sus canciones. Se centran también en distintos temas pero siempre enfatizando la vida urbana.
Dejando claro entonces que solo así con su convicción de maestros de la calle se sienten con la plena seguridad de generar un cambio total en la conciencia de los demás, enseñando e ilustrando, aportando a través de sus letras un grano de arena para que nuestra sociedad y país alcance un nivel de desarrollo, orden, justicia, paz y dignidad, la cual tanto necesitamos.
MMC, entonces, nace un 17 de noviembre del año 2002 con el fin principal de trabajar el sueño mas anhelado de todo artista: producciones musicales, y hasta el presente han seguido fielmente en la elaboración de estas, pero a la vez trabajando también en promover, instruir, y mostrarle a la gente la otra cara que muy pocos conocen acerca de la que es en realidad la verdadera cultura del HIP HOP, aclarando así que no es la que los medios masivos y comerciales se han dedicado a mostrar nefastamente.
Luego de reunidos deciden llamarse “Mariamulatas”, ya que este es el nombre del ave más típica de su ciudad natal (Cartagena); aun siendo un ave de color negro, para la MMC representa dos cosas también importantes:
1.Su capacidad de volar, es un sentido para ellos de ser libres en todos los aspectos ante la opresión y los diferentes flagelos que nos afectan a todos.
2.Su color negro, la fiel representación y tributo a la raza negra (La madre de las razas).
Así todo esto y mucho mas, es para todos ustedes respetable público, colegas, productores, seguidores y críticos, la MMC Mariamulatas callejeras.
Misión
1.Promover y producir estrategias capaces de instruir a la gente acerca de lo que es en realidad el HIP HOP como cultura, respetando las tradiciones y raíces de nuestra cultura colombiana.
2.Trabajar sin ignorar todo lo relacionado con nuestro proceso formativo como artistas integrales, y profesionales.
3.Realizar pedagogía a través de nuestra música construyendo ambientes generadores de cambio, promotores de paz, dignidad y desarrollo nacional.
4.Mejorar nuestra calidad de vida como personas que somos a través del arte y de la música logrando un reconocimiento como artistas.
Visión
1.Tener y manejar un acceso directo a la tecnología sistematizada, necesaria para el desarrollo y evolución de nuestros trabajos musicales, construyendo empresas capaces de producir, promover y consolidar nuestra propia música.
2.Al finalizar el siglo XXI Mariamulatas callejeras ha debido crear y compactar una identidad como organización. Logrando un alto reconocimiento, como exponentes del HIP HOP colombiano a nivel latinoamericano y por qué no, a nivel mundial.
Seminario de Comunicación Juvenil
La Secretaría de Cultura Ciudadana informa que ya se encuentran abiertas las inscripciones para participar en el Seminario de Comunicación Juvenil que se realizará este 26 y 27 de noviembre en el Jardín Botánico y cuyo tema central será las nuevas tecnologías de información y comunicación. La programación académica girará alrededor de los debates frente a la libertad de la información, la accesibilidad a las nuevas tecnologías, el uso de recursos técnicos e informativos novedosos para la construcción de cultura política y las posibilidades de generar información en términos comunicacionales, noticiosos, periodísticos y de opinión mediante TIC’s (como blogs, páginas web, listas de distribución, videos, chats, foros, portales, redes sociales, entre muchos otros). Los jóvenes interesados en participar en este espacio de formación, reflexión e intercambio deberán llenar un sencillo formato virtual que se encuentra ubicado en la página web de la Alcaldía de Medellín o ingresando directamente al link:
http://seminario.otraparte.com/
miércoles, 18 de noviembre de 2009
LA IMPORTANCIA DEL MASTERING EN LA ERA DEL HOME STUDIO (PARTE I)
Saludos Familia LASO.
Buscando encontré este gran articulo acerca de la importancia de una buena masterizacion como complemento de una mezcla. El articulo es de la autoría de Andrés Mayo un gran ingeniero de masterización en latinoamérica espero que lo disfruten.
LA COLUMNA DE ANDRES MAYO
LA IMPORTANCIA DEL MASTERING EN LA ERA DEL HOME STUDIO (PARTE I)
Este artículo tiene como finalidad describir en detalle la cantidad de posibles errores y problemas que pueden sucederse en la realización de un disco desde un entorno casero o semi-profesional y su posible solución (o no) en la etapa de mastering. Por la cantidad de situaciones posibles enumeradas, la nota se repartirá en dos entregas sucesivas.
Retomando lo que decía en la nota del número anterior acerca de los impresionantes cambios que presenciamos en la última década debido a los avances de la tecnología, una de las modificaciones esenciales mencionadas tenía que ver con la facilidad enorme (comparativamente hablando) que hoy tienen los músicos y productores para grabar en situaciones caseras. El Home Studio es el espacio donde se puede experimentar y dedicar infinitas horas a “prueba y error” sin necesidad de acomodar los horarios a la necesidad de un estudio profesional y sobre todo sin grandes gastos ni presiones presupuestarias.
Claramente esto también tiene algunas contras, muchas veces bastante notorias en el resultado final: en una situación no totalmente profesional suele haber carencia de recursos técnicos y humanos y desconocimiento de la respuesta acústica de la sala en la que se trabaja. En mi opinión el excelente sonido que pueda tener un disco está dado por el buen gusto, el conocimiento y la experiencia de quienes estuvieron a cargo del registro sonoro más que por los equipos, así que en principio no habría ninguna razón para que no pueda obtenerse una gran calidad de audio a partir de una grabación y mezcla en un home studio. Un muy buen ejemplo de esto es el disco Citadino, del reconocido Maestro Héctor Infanzón, que fue enteramente grabado en el living de su casa y honestamente creo que nadie podría notar la diferencia entre aquella grabación y una que podría haberse logrado en un estudio de 2000 dólares por día. Pero estamos hablando de un caso entre tantos y definitivamente no son la mayoría los que llegan a finales tan felices como ese, auditivamente hablando.
Como Ingeniero de Mastering puedo decir que un gran número de los discos que escucho a diario muestran un resultado desparejo, producto de una cantidad cada vez mayor de producciones independientes realizadas con presupuestos insuficientes y con un cierto grado (a veces bastante alto) de desconocimiento acerca de la base técnica fundamental para llevar a buen puerto el producto final. O sea que la maravilla del avance tecnológico no da tiempo de perfeccionarse en el uso de las herramientas básicas y se crea el mito de que “cualquiera puede grabar”, lo cual es cierto sólo en parte. Los artistas y productores llegan entonces a la etapa del mastering con más dudas que certezas e intentan lograr en el paso final la ansiada “calidad de audio internacional” o el “estándar comercial” como lo definen algunos, sin saber muy bien a qué se refiere. Por supuesto que no existe un único y riguroso estándar comercial, sino que hay que saber extraerle a cada proyecto musical lo mejor que puede dar. En esto, la experiencia de un Ingeniero con muchas horas de vuelo en la etapa de grabación, mezcla o mastering puede hacer toda la diferencia. Por supuesto que también interviene la capacidad del productor o de la propia banda para tomar las decisiones correctas y llevar el disco hacia el lugar sonoro más adecuado. Algunos términos como el “color” y la dinámica pasan a ser fundamentales para entender el rumbo a seguir, sobre todo en las etapas de mezcla y mastering.
Cada vez más, mi trabajo a cargo de un mastering comienza por aportar mi opinión sobre la calidad de las propias mezclas, ya que cuanto mejor queden éstas mejor resultará el mastering. Yo llamo a esta técnica “Mix Coaching” y consiste en un seguimiento de la evolución sonora de las mezclas para que arriben a la masterización en condiciones óptimas, siempre tomando en cuenta las posibilidades reales de la banda. La masterización entendida como un proceso complementario a la mezcla ocupa así un lugar fundamental en las grabaciones caseras que arrastran errores diversos de toma de sonido y de concepto. Una buena parte de los casos el propio músico trae como referencia sonora un disco de alguna banda hiperproducida del Primer Mundo (ejemplo típico: “American Idiot” de Green Day) y dice querer sonar como ese CD. El
proceso se hace más complejo entonces porque hay que empezar por explicar las diferencias y tratar de lograr que abandonen la comparación permanente y busquen su propia identidad sonora. Si esto se logra, aún en la etapa final pueden aparecer variaciones conceptuales muy interesantes que beneficien el sonido integral del disco.
A través de los años pude confeccionar una lista de “errores más comunes” que podemos encontrar en las grabaciones caseras y aquí van, en cualquier orden de aparición:
1) Presencia excesiva del bajo: instrumento fundamental en cualquier banda de rock y pop, así como en el jazz, tango y decenas de géneros musicales, el bajo eléctrico o acústico tiende a ocupar más espacio del que le corresponde en la zona de frecuencias graves y medios-graves. Esto puede suceder por un número de razones, entre ellas el desconocimiento de la respuesta acústica de la sala en la que se está realizando la mezcla o también el uso de monitores de campo cercano sin el apoyo de un sub-woofer para controlar la emisión de las frecuencias graves. Esta última razón puede ocasionar que la respuesta en frecuencia sea en el mejor de los casos aceptable hasta los 100 Hz, iniciando una caída abrupta a partir de allí y generando la necesidad de aumentar la cantidad de graves en la mezcla para compensar auditivamente la carencia de los monitores “near-field”. Si el problema es la sala, la situación puede ser aún más complicada porque podrían existir modos acústicos que anulen completamente la presencia de ciertas frecuencias graves en el punto de escucha y magnifiquen esas mismas frecuencias a pocos centímetros de éste, con lo cual es casi imposible saber cuál es la realidad.
2) Presencia excesiva del hi-hat: una buena parte de la responsabilidad de que los platillos tengan un sonido acorde con el resto de la banda es del propio baterista. Si la ejecución es muy “furiosa” o si hay tendencia a tocar siempre con el hi-hat abierto, la presencia de este instrumento será demasiado notoria y podría llegar a ser molesta. La otra parte de la responsabilidad recae en la selección de los micrófonos adecuados y en la ecualización en la etapa de mezcla. El hi-hat es uno de los instrumentos que tienden a ser sobre-ecualizados para agregar brillo al conjunto, generando muchas veces una aspereza innecesaria que termina siendo molesta. Reducir un poco la energía en la zona de bajas frecuencias para evitar la “bola de graves” suele dar mejores resultados que exceder el brillo en los platos en busca de una eventual compensación.
3) Presencia excesiva del bombo: en la gran mayoría de los casos en que el bombo en una mezcla está fuera de plano (es decir, demasiado fuerte en proporción al resto de los instrumentos) se puede comprobar que existe una deficiencia en la respuesta acústica del control. Es realmente muy difícil encontrar el plano ideal para el bombo en una banda de rock (por ejemplo) sin una exacta reproducción de todo el espectro sonoro por parte del sistema de monitoreo. Además, es un instrumento que presenta complicaciones varias a la hora de la mezcla: ya sea porque se oye demasiado el golpe en el parche o porque tiene demasiado “cuerpo”, por la irregularidad en el toque del baterista, la dificultad para colocar el micrófono en el lugar exacto e infinidad de motivos más, el bombo es generalmente problemático. Cuando una mezcla tiene bien resuelta la relación del bombo con la tarola comienza a armarse una base sólida, pero cuando no es así es poco lo que puede modificarse desde el mastering sin empeorar otros aspectos de la misma.
4) Falta o exceso de brillo en las mezclas: estos casos pueden o no ser complicados de resolver, dependiendo de cuan parejo sea el problema para todos los instrumentos. Es decir, si toda la mezcla está opaca y falta de energía en las frecuencias altas y medias-altas no es difícil darle un poco de “alegría” en el mastering. Pero puede ser difícil de resolver si (como sucede muchas veces) hay un instrumento brillante en medio de una mezcla opaca, o viceversa. Típicamente, la tarola puede estar necesitando más brillo y ataque pero los platillos (ride, hi-hat, crash) están agresivos y sobre-ecualizados. Entonces la mejor solución es volver atrás un paso y resolver el problema puntualmente antes de intentar el mastering, porque sólo podríamos corregirlo generando otro problema. Hay que poner atención en el foco del problema: muchas veces se confunde el exceso de graves con la falta de brillo y se intenta compensar en el mastering con un agregado de altas frecuencias totalmente innecesario, cuando en realidad lo que la mezcla pide es una reducción en determinada zona de las frecuencias graves.
5) Sibilancia en la voz: uno de los más típicos defectos en las mezclas de realización casera. La voz de muchos cantantes es sumamente proclive a sonar sibilante, es decir excedida en alguna zona de frecuencias que típicamente puede estar entre los 6 y los 9 KHz, aunque también he visto casos de sibilancia prominente en la zona de los 3,5 KHz. La solución sin dudas es utilizar un buen de-esser, preferiblemente un hardware dedicado externo (analógico o digital) de buena calidad, ya que la remoción de la sibilancia es un proceso delicado que puede afectar armónicos de muchos otros instrumentos, tales como la guitarra, el piano, los platillos, la tarola, etc.
Idealmente habría que resolver este problema en la etapa anterior al mastering para que sea posible trabajar la voz con independencia del resto de los instrumentos, pero muchas veces esto no es posible y hay que tratar de elegir con el máximo cuidado la frecuencia central del problema para removerla parcialmente (no del todo!!) con la mínima afectación posible del resto de los componentes de la mezcla. Es muy importante evaluar el “antes y después” de la aplicación de un de-esser, porque es perfectamente posible que la sibilancia natural del cantante, sin ningún proceso, sea preferible antes que el ahogo que puede generar un reductor de energía incorrectamente aplicado.
Seguimos en la próxima!!
Ing. Andrés Mayo
Este artículo puede descargarse en formato pdf del sitio www.andresmayo.com/data
Andrés Mayo es ingeniero de Mastering y realizador de DVD musicales.
Miembro fundador de Team 5.1, es reconocido por sus trabajos de masterización stereo y surround.
Es Vicepresidente de A.E.S. Región América Latina. Contacto: aam@aes.org
Buscando encontré este gran articulo acerca de la importancia de una buena masterizacion como complemento de una mezcla. El articulo es de la autoría de Andrés Mayo un gran ingeniero de masterización en latinoamérica espero que lo disfruten.
LA COLUMNA DE ANDRES MAYO
LA IMPORTANCIA DEL MASTERING EN LA ERA DEL HOME STUDIO (PARTE I)
Este artículo tiene como finalidad describir en detalle la cantidad de posibles errores y problemas que pueden sucederse en la realización de un disco desde un entorno casero o semi-profesional y su posible solución (o no) en la etapa de mastering. Por la cantidad de situaciones posibles enumeradas, la nota se repartirá en dos entregas sucesivas.
Retomando lo que decía en la nota del número anterior acerca de los impresionantes cambios que presenciamos en la última década debido a los avances de la tecnología, una de las modificaciones esenciales mencionadas tenía que ver con la facilidad enorme (comparativamente hablando) que hoy tienen los músicos y productores para grabar en situaciones caseras. El Home Studio es el espacio donde se puede experimentar y dedicar infinitas horas a “prueba y error” sin necesidad de acomodar los horarios a la necesidad de un estudio profesional y sobre todo sin grandes gastos ni presiones presupuestarias.
Claramente esto también tiene algunas contras, muchas veces bastante notorias en el resultado final: en una situación no totalmente profesional suele haber carencia de recursos técnicos y humanos y desconocimiento de la respuesta acústica de la sala en la que se trabaja. En mi opinión el excelente sonido que pueda tener un disco está dado por el buen gusto, el conocimiento y la experiencia de quienes estuvieron a cargo del registro sonoro más que por los equipos, así que en principio no habría ninguna razón para que no pueda obtenerse una gran calidad de audio a partir de una grabación y mezcla en un home studio. Un muy buen ejemplo de esto es el disco Citadino, del reconocido Maestro Héctor Infanzón, que fue enteramente grabado en el living de su casa y honestamente creo que nadie podría notar la diferencia entre aquella grabación y una que podría haberse logrado en un estudio de 2000 dólares por día. Pero estamos hablando de un caso entre tantos y definitivamente no son la mayoría los que llegan a finales tan felices como ese, auditivamente hablando.
Como Ingeniero de Mastering puedo decir que un gran número de los discos que escucho a diario muestran un resultado desparejo, producto de una cantidad cada vez mayor de producciones independientes realizadas con presupuestos insuficientes y con un cierto grado (a veces bastante alto) de desconocimiento acerca de la base técnica fundamental para llevar a buen puerto el producto final. O sea que la maravilla del avance tecnológico no da tiempo de perfeccionarse en el uso de las herramientas básicas y se crea el mito de que “cualquiera puede grabar”, lo cual es cierto sólo en parte. Los artistas y productores llegan entonces a la etapa del mastering con más dudas que certezas e intentan lograr en el paso final la ansiada “calidad de audio internacional” o el “estándar comercial” como lo definen algunos, sin saber muy bien a qué se refiere. Por supuesto que no existe un único y riguroso estándar comercial, sino que hay que saber extraerle a cada proyecto musical lo mejor que puede dar. En esto, la experiencia de un Ingeniero con muchas horas de vuelo en la etapa de grabación, mezcla o mastering puede hacer toda la diferencia. Por supuesto que también interviene la capacidad del productor o de la propia banda para tomar las decisiones correctas y llevar el disco hacia el lugar sonoro más adecuado. Algunos términos como el “color” y la dinámica pasan a ser fundamentales para entender el rumbo a seguir, sobre todo en las etapas de mezcla y mastering.
Cada vez más, mi trabajo a cargo de un mastering comienza por aportar mi opinión sobre la calidad de las propias mezclas, ya que cuanto mejor queden éstas mejor resultará el mastering. Yo llamo a esta técnica “Mix Coaching” y consiste en un seguimiento de la evolución sonora de las mezclas para que arriben a la masterización en condiciones óptimas, siempre tomando en cuenta las posibilidades reales de la banda. La masterización entendida como un proceso complementario a la mezcla ocupa así un lugar fundamental en las grabaciones caseras que arrastran errores diversos de toma de sonido y de concepto. Una buena parte de los casos el propio músico trae como referencia sonora un disco de alguna banda hiperproducida del Primer Mundo (ejemplo típico: “American Idiot” de Green Day) y dice querer sonar como ese CD. El
proceso se hace más complejo entonces porque hay que empezar por explicar las diferencias y tratar de lograr que abandonen la comparación permanente y busquen su propia identidad sonora. Si esto se logra, aún en la etapa final pueden aparecer variaciones conceptuales muy interesantes que beneficien el sonido integral del disco.
A través de los años pude confeccionar una lista de “errores más comunes” que podemos encontrar en las grabaciones caseras y aquí van, en cualquier orden de aparición:
1) Presencia excesiva del bajo: instrumento fundamental en cualquier banda de rock y pop, así como en el jazz, tango y decenas de géneros musicales, el bajo eléctrico o acústico tiende a ocupar más espacio del que le corresponde en la zona de frecuencias graves y medios-graves. Esto puede suceder por un número de razones, entre ellas el desconocimiento de la respuesta acústica de la sala en la que se está realizando la mezcla o también el uso de monitores de campo cercano sin el apoyo de un sub-woofer para controlar la emisión de las frecuencias graves. Esta última razón puede ocasionar que la respuesta en frecuencia sea en el mejor de los casos aceptable hasta los 100 Hz, iniciando una caída abrupta a partir de allí y generando la necesidad de aumentar la cantidad de graves en la mezcla para compensar auditivamente la carencia de los monitores “near-field”. Si el problema es la sala, la situación puede ser aún más complicada porque podrían existir modos acústicos que anulen completamente la presencia de ciertas frecuencias graves en el punto de escucha y magnifiquen esas mismas frecuencias a pocos centímetros de éste, con lo cual es casi imposible saber cuál es la realidad.
2) Presencia excesiva del hi-hat: una buena parte de la responsabilidad de que los platillos tengan un sonido acorde con el resto de la banda es del propio baterista. Si la ejecución es muy “furiosa” o si hay tendencia a tocar siempre con el hi-hat abierto, la presencia de este instrumento será demasiado notoria y podría llegar a ser molesta. La otra parte de la responsabilidad recae en la selección de los micrófonos adecuados y en la ecualización en la etapa de mezcla. El hi-hat es uno de los instrumentos que tienden a ser sobre-ecualizados para agregar brillo al conjunto, generando muchas veces una aspereza innecesaria que termina siendo molesta. Reducir un poco la energía en la zona de bajas frecuencias para evitar la “bola de graves” suele dar mejores resultados que exceder el brillo en los platos en busca de una eventual compensación.
3) Presencia excesiva del bombo: en la gran mayoría de los casos en que el bombo en una mezcla está fuera de plano (es decir, demasiado fuerte en proporción al resto de los instrumentos) se puede comprobar que existe una deficiencia en la respuesta acústica del control. Es realmente muy difícil encontrar el plano ideal para el bombo en una banda de rock (por ejemplo) sin una exacta reproducción de todo el espectro sonoro por parte del sistema de monitoreo. Además, es un instrumento que presenta complicaciones varias a la hora de la mezcla: ya sea porque se oye demasiado el golpe en el parche o porque tiene demasiado “cuerpo”, por la irregularidad en el toque del baterista, la dificultad para colocar el micrófono en el lugar exacto e infinidad de motivos más, el bombo es generalmente problemático. Cuando una mezcla tiene bien resuelta la relación del bombo con la tarola comienza a armarse una base sólida, pero cuando no es así es poco lo que puede modificarse desde el mastering sin empeorar otros aspectos de la misma.
4) Falta o exceso de brillo en las mezclas: estos casos pueden o no ser complicados de resolver, dependiendo de cuan parejo sea el problema para todos los instrumentos. Es decir, si toda la mezcla está opaca y falta de energía en las frecuencias altas y medias-altas no es difícil darle un poco de “alegría” en el mastering. Pero puede ser difícil de resolver si (como sucede muchas veces) hay un instrumento brillante en medio de una mezcla opaca, o viceversa. Típicamente, la tarola puede estar necesitando más brillo y ataque pero los platillos (ride, hi-hat, crash) están agresivos y sobre-ecualizados. Entonces la mejor solución es volver atrás un paso y resolver el problema puntualmente antes de intentar el mastering, porque sólo podríamos corregirlo generando otro problema. Hay que poner atención en el foco del problema: muchas veces se confunde el exceso de graves con la falta de brillo y se intenta compensar en el mastering con un agregado de altas frecuencias totalmente innecesario, cuando en realidad lo que la mezcla pide es una reducción en determinada zona de las frecuencias graves.
5) Sibilancia en la voz: uno de los más típicos defectos en las mezclas de realización casera. La voz de muchos cantantes es sumamente proclive a sonar sibilante, es decir excedida en alguna zona de frecuencias que típicamente puede estar entre los 6 y los 9 KHz, aunque también he visto casos de sibilancia prominente en la zona de los 3,5 KHz. La solución sin dudas es utilizar un buen de-esser, preferiblemente un hardware dedicado externo (analógico o digital) de buena calidad, ya que la remoción de la sibilancia es un proceso delicado que puede afectar armónicos de muchos otros instrumentos, tales como la guitarra, el piano, los platillos, la tarola, etc.
Idealmente habría que resolver este problema en la etapa anterior al mastering para que sea posible trabajar la voz con independencia del resto de los instrumentos, pero muchas veces esto no es posible y hay que tratar de elegir con el máximo cuidado la frecuencia central del problema para removerla parcialmente (no del todo!!) con la mínima afectación posible del resto de los componentes de la mezcla. Es muy importante evaluar el “antes y después” de la aplicación de un de-esser, porque es perfectamente posible que la sibilancia natural del cantante, sin ningún proceso, sea preferible antes que el ahogo que puede generar un reductor de energía incorrectamente aplicado.
Seguimos en la próxima!!
Ing. Andrés Mayo
Este artículo puede descargarse en formato pdf del sitio www.andresmayo.com/data
Andrés Mayo es ingeniero de Mastering y realizador de DVD musicales.
Miembro fundador de Team 5.1, es reconocido por sus trabajos de masterización stereo y surround.
Es Vicepresidente de A.E.S. Región América Latina. Contacto: aam@aes.org
martes, 17 de noviembre de 2009
LASO Medellín y Quibdó reunidos en Cali
Algunos representantes de LASO se reunieron el pasado fin de semana en Cali.
Jr Ruiz, Lupa, Alexis Play, tuvieron gran acogida en la ciudad, cada uno representando su region con lo mejor del Hip Hop.
Estas son algunos videos de "Ciudad Hip Hop - Cali 2009"
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